Cleansed, otra historia oscura de la trágica Sarah Kane.

 “La vida es hermosa. Voy a hacer lo mejor que pueda, momento a momento, para no defraudarte. Ámame o mátame, Graham. Mucha gente me conoce, ellos no están enamorados de mi y las ratas comen mi cara. Atragantarse por eso. Rogar por eso. Gritar por eso. Arquearse por eso. Duele por eso” (párrafo del texto original).  

            Un colectivo sin ventanas nos lleva al universo sombrío que pinta Sarah Kane en su obra Cleansed. Es un escenario de pisos y paredes negras, de cubos que se mueven formando los distintos ambientes de una ciudad universitaria / campo de concentración-tortura, alumbrado por luces amarillas que dejan ver solo lo necesario para sentir entre asco, lástima y horror. Lo negro se corta sólo con rojos de heridas y violaciones. A veces, una luz blanca insoportable muestra las caras de dolor, de llanto. Los episodios se suceden entre una habitación blanca con una silla eléctrica en el centro que es el psiquiátrico, una sala roja que representa al gimnasio, y una negra donde están las duchas (peep show). La obra empieza cuando uno de los internos es asesinado por sobredosis con una jeringa en el ojo. El resto, genera cada vez más rechazo, angustia, ganas de no ver.

            En el año 1999, la escritora se suicida a los 28 años y nos deja escritas las impresiones de un mundo opresivo que se le hizo inaguantable. Su producción nos pone a pensar de qué se trata en realidad el arte, cómo se describe, qué función cumple ¿Sensibilizar? ¿Agradar? ¿Puede una sucesión de actos trágicos y repugnantes ser arte? De las cinco obras de teatro escritas por la inglesa Sarah Kane, ya cuatro fueron representadas en teatros de la ciudad de Buenos Aires. Algo de atractivo le encuentran los directores porteños. Después de Psicosis 4.48, Crave y Aniquilados, Cleansed (Purificado) se estrena esta semana  con la dirección de Mariano Stolkiner y un elenco compuesto por Carlos Eduardo Spindola,  Hernán Catvin, Sebastián Pajoni, Gustavo Antieco, Rodrigo Mujico, Maria Milessi, Pedro Riva y Ana Livingston. Cleansed se estrenó en 1998 en el teatro Royal Court Theatre, en Londres, y la interpretación en el Teatro Ferroviario “El Gato Viejo” es el estreno mundial en habla hispana.

Los actores no saludan al terminar la obra. Mariano Stolkiner, nervioso por las repercusiones, dice que no les parece que sea una historia como para aplausos, “no se puede aplaudir a la violencia”. Es una obra difícil de recomendar, no es para cualquiera ni para mayores. No apta para depresivos, vergonzosos o conservadores. Sarah Kane propone un arte que horroriza, que sensibiliza al punto de lastimar. Mariano asegura que mucha gente sale de la sala con ganas de “vivir la vida: unos buenos masajes, comida y panza arriba”.

    Constanza Coll

EL GATO VIEJO – Atelier de Caros Regazzoni.

Dirección: Av. Del Libertador 405 (esquina Suipacha), Capital Federal.

Reservas: 4315-3663

Entrada: $20,00 / $12,00 – martes – 21:00 hs – Hasta el 18/12/2007

Entrada: $20,00 / $12,00 – sábado – 21:30 hs – Hasta el 18/12/2007

Capacidad limitada.

Historia de intriga y suspenso

 

 En “El enigma de París”, publicación editada por la editorial Planeta en Julio de este año hay una fabulosa historia de intriga que atrapará al lector página tras página. El autor Pablo De Santis gracias a esta obra  ganó el Premio Iberoamericano-Casa América de Norratera 2007. 
La historia transcurre en París en 1889, momento en el cual se esta comenzando a construir la Torre Eiffel. Por aquellos días la ciudad se vió conmocionada por una  serie de asesinatos que suceden y que nadie ha resuelto.
En este contexto se reúnen los doce detectives más reconocidos del mundo para una Exposición Universal. El motivo de dicha reunión es contarle al público los casos más importantes que han resuelto, los métodos que han empleado, sus secretos de espionaje y la concepción de cada crimen.
Intempestuosamente uno de “los doce” cae de una de las torres Eiffel en construcción. Esto ocasiona una reunión  en la que todo da un  giro inesperado y los detectives deciden aplicar sus habilidades para descubrir quién asesino a su colega.
Pablo De Santis, nació en Buenos Aires en 1963. Este autor de prestigio internacional estudió la carrera de Letras en la Universidad de Buenos Aires y trabajó como periodista y guionista de historietas.
Este escritor de larga trayectoria publicó más de diez libros para adolescentes, lo que le permitió ganar en el 2004 el premio Konex de platino. Entre sus producciones más reconocidas están “El palacio de la noche” (1987), “Lucas Lenz y el museo del universo” (1992) y “El calígrafo de Voltaire” (2001), entre otras. Muchos de sus libros fueron traducidos en varias lenguas como francés, portugués e italiano.

Por Bárbara Palavecino

Arte en Microcentro: Fundación Federico Klem

La muestra permanente de la Fundación Federico Klem permite un recorrido por el arte de la fotografía, la pintura y la escultura.
Esta galería propone la proyección global  del arte contemporáneo, espacios amplios y luminosos.

En cuanto a la fotografía enmarcada se destacan los trabajos de Gardin Nan “Boys pissing at party NYC” que recrea lo que el titulo promete; jóvenes en un vijitorio de New York en los años 70.
Philippe y Avedon Richard ofrecen los retratos de dos consagrados e infaltables artistas, Dalí y Andy Warhol.

Entre la colección de pinturas se presenta al gran artista local Guillermo Kuitca con “Autorretrato”, pintura sobre papel, y “Ejército de Ebro” de técnica mixta en papel.
En la gran pared lateral se contempla la obra de 1975 de Antonio Berni “la familia del peón”, una imagen inseparable del imaginario colectivo que no sólo representa una parte de la cultura popular sino también cómo Berni supo conectarse con el gran público.

  ”La familia del peón”

En óleo sobre telas se exponen las obras de Raquel Romero “mutante enajenado” (1971), Lucia Fontana “Concetto Spaziale” (1966). Con la técnica de óleo sobre madera, “Soleil” de Max Ernst y en acuarela sobre papel obras de René Magritte  “Les Fanatiques” (1957), L´Aube a Cayene” (1957)  quien obtiene resultados de notable fantasía, prototipo del surrealismo.

“Les Fanatiques”

El salón de pintura se completa con la obra “El pintor” de Pablo Picasso y de Salvador Dalí “Tres Cajones y un cactus en el desierto”.
No podia faltar el Pop Art original de Andy Warhol con “Four Marilyn”, “Jackie”, “Cabeza de Cristo” y “Zapato” éste último realizado sobre papel con diamantes.

 ”Four Marilyns” 

Individuales sillones blancos en cada área de la galería invitan a relajarse y a contemplar con delicadeza este conjunto de renombrados artistas.

El siguiente salón sorprende con una escultura  realizada en poliéster de un hombre y una  mujer rescotados y desnudos en tamaño natural. “Pareja” de John De Andre construye en detalle facciones, gestos y miradas.
Allí mismo las litografías de Jeff Koon, se inspiran en el lenguaje visual de la publicidad, el marketing, la industria del entretenimiento y  a la cultura Norteamérica. Una imagen nada inocente es la de un colegio en donde puede leerse que a los niños se les enseña cómo explotar a las masas. Koons juega con imágenes desafiantes y provocativas poniendo a prueba los límites entre culturas altas y bajas.

Finalmente, en un salón destacado, la obra del desaparecido Federico Klem, quien utilizó la técnica de  pintura sumado a la fotografía. En el cielorraso la imagen de una constelación, de estrellas, planetas y humanos combinados con aplicaciones de piedras preciosas.
“Inmalación”, “Premoniciones”, “La sensualidad de la ceguera” (2001),son obras que pertenecen al grupo denominado “Sasón y Dalila” conjuga fotografías de ambos protagonistas del mito en un paisaje cósmico con grandes estructuras.
A pesar de que el arte tiene en la sociedad un valor de cambio, quienes forman la Fundación Federico Klem tienen como propósito generar un museo global el cual permita al arte inscribirse por medio de la aceptación histórica.
Fundación Federico Klem: Marcelo T. de Alvear 626. ntrada libre y gratuita de 11 a 20 hs: www.fundacionfjklemm.org

 Por Valeria García

                                                

SWEENEY TODD: LA NUEVA SUPERPRODUCCIÓN DE TIM BURTON

El director de cine americano Tim Burton vuelve a la pantalla grande con un musical muy particular, que muchos califican de morboso. Se trata de “Sweeney Todd: El barbero demoníaco de Fleet Street”, una coproducción de Warner Bros. Pictures y Dreamworks Pictures.
La película es una adaptación  del famoso musical de Stephen Soundheim, que durante años hizo furor en  Broadway.
La historia, es la de un barbero asesino, (interpretado aquí por Johnny Deep), que utiliza su navaja de afeitar para matar a sus enemigos, mientras que su amiga y cómplice, Margery Lovett, hace comidas con los cadáveres, que sirve a los clientes de su taberna.
El resto de los papeles protagónicos están a cargo de Helena Bonham Carter, interpretando a la Sra. Lovett, Sacha Baron Cohen como el barbero rival  y Alan Rickman como el malvado Juez Turpin.
El esperado estreno del film está programado para  diciembre de este año, a nivel mundial. Sin embargo, el trailer ya está disponible y sirve como adelanto de la atractiva estética de este film, ambientado en un Londres Barroco/Gótico, fiel al estilo más característico de Burton.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street Trailer

Por Ana Paula Bello

Contigo Calipso. Arte travieso.

 

Contigo Calipso se pasa de kitsch, si todavía esta palabra define el arte ridículo y un poco pasado de moda. Dos bailarines de una danza que no se define entre lo blando y lo agresivo, se buscan y se rechazan en una continua seducción agotadora. Se encuentran, ella lo echa, él se ofende y otra vez se arrepienten. Se juntan… pero no. Esto es permanente, repetitivo, pero los bailarines muestran el más allá de la rutina y el cansancio. Laura Garófalo y Ramiro Santaulari ponen el cuerpo en el lugar de personajes románticos, los hacen sufrir y a la vez disfrutar.

Para nada trágica, la obra ridiculiza los dramas comunes de la cotidianeidad, del convivir. El contraste de algunas escenas un poco violentas con otras totalmente irónicas hace reír al público. Pero es necesaria cierta predisposición al mal gusto, a lo grotesco. El decorado y la música (que no descansa desde que empieza hasta que termina la obra) visten el escenario al estilo fiftees, escena preliminar de la cultura pop: Hay luces de tubo de colores verde y naranja a cada lado y una hilera de manzanas dibuja el límite fronterizo con la gente que mira. No éramos más de quince. Las tecnológicas licuadoras con rueditas, los “sorbetes” en forma de corazón, los tules fucsias, los tragos de fruta psicodélicos y las baladas romanticonas –algunas tocadas en vivo por Fernando Aldao-, constituyen la atmósfera radiofónica, consumista y técnica de un mundo bizarro que impregna a los personajes.

 A pesar de la creación de un espacio atractivo, algunos desnudos que convocan y el movimiento más que preciso, termina la obra y la sensación es como de gusto a nada. Demasiados elementos, demasiado exagerado. Tan simbólico que se pierde el objeto. Sin embargo, “¿qué se quiere decir?” no creo que fuera una pregunta que se quisiera responder. El grupo de teatro-danza El Cóctel define la obra como “un diluvio de pequeñas ternuras domésticas blandidas contra la conciencia de lo fugaz y lo frágil”. Pienso que es, por sobre todo, fugaz, efímera, aunque digna de ver.

Coreografía y dirección: L. Garófalo – R. Santaulari
Interpretación: Laura Garófalo, Ramiro Santaulari
Cantantes: Fernando Aldao
Músicos: Fernando Aldao, Arnaldo Scagliusi
ESPACIO CALLEJON, Humahuaca 3759
Teléfono: 4862-1167
Jueves a las 21:00 hs.
Entrada: $18 ($12 para estudiantes con acreditación)

Por Constanza Coll

Michael Clayton

 

Ficha Técnica
Título original: Michael Clayton
Género: Thriller
Duración: 120 minutos
Estreno: 11- 10 – 2007
País de origen: Estados Unidos

Ficha Artística
Escrita y dirigida por: Tony Gilroy
Protagonizada por:
George Clooney
Sean Cullen
Tom Wilkinson
Tilda Swinton
Sydney Pollack
Michael O`keefe

Montaje: John Gilroy
Dirección de fotografía: Robert Elswit
Música: James Newton Howard

Un film de pleno suspenso. De trajes oscuros, cuellos blancos, autos caros y firmas de tres apellidos. Una empresa poderosa, alguien que nada contra la corriente y en el medio un hombre tratando de no hundirse en el remolino de intrincadas leyes y negocios que son parte de su trabajo.

El flamante director de cine, más conocido por ser el guionista de la trilogía Bourne y Prueba de vida o El abogado del diablo, plantea un escenario donde el poder y la codicia se abren camino sin amparos ni cavilaciones. Pero cuando uno de sus simples ejecutantes se desboca y renuncia a la complicidad, la situación se complica diseminando la confrontación entre culpables y defensores de culpables.

Una multinacional inescrupulosa, una firma millonaria, un abogado que se cambió de bando y un mediador en busca de la verdad, componen una enmarañada trama que comienza por el final y que se resuelve limpiamente manteniendo el  clímax durante todo el relato.

En los laberintos del poder los corruptos defienden a los más corruptos y son cómplices de sus sucios secretos. Hasta que uno de ellos decide ir contra todos para llegar hasta el final del asunto y desenmascarar los artilugios de la convenida alianza entre ilícitos y sus representantes legales.

Escaleras que suben y que bajan llevan a individuos imperfectos a donde éstos quieren ir. Para poder respirar tranquilo Michael Clayton, rodeado de contradicciones tuvo que bajarlas.

Por Carla Barragué.

Ute Lemper y Los siete pecados capitales

 

Cuando apareció en escena -  luego de las interpretaciones de la Filarmónica de Buenos  Aires  dirigida por el inglés Jan Latham Koening – cierta irreverencia impregnó el clima del Teatro Gran Rex. Con un tostado poco habitual en los escenarios y la destreza de artista consagrada que puede darse el lujo de llevar la canción de cabaret a la sala de concierto, Lemper se lució en el doble papel de Anna I y Anna II de la obra de Kurt Weill y Bertolt Brecht.  

La obra es una sátira a los valores de la sociedad capitalista y en ese sentido, los siete pecados – pereza, orgullo, ira, gula, lujuria, avaricia y envidia – no son los de la Biblia. El personaje que Lemper interpreta se desdobla en dos hermanas imaginarias: Anna I es la que expresa la moral burguesa, mientras la otra duda aunque sin poder rebelarse en un gesto de libertad.  

“Es la música de la República de Weimar” manifestó en un reportaje reciente la cantante alemana, conocida mundialmente como intérprete de la obra de Weill y el repertorio de su mujer, Lotte Lenya. En efecto, la pieza es de 1933 – año del ascenso de Adolf Hitler al poder -  y está impregnada de una visión irónica y desencantada pero al mismo tiempo militante. Es también la última colaboración del compositor con Brecht.

 La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por el reconocido inglés, ofreció una notable interpretación de la Inconclusa –  de Franz Schubert –  y Música nocturna del compositor argentino Julio Viera.

Por Liliana Chiernajowsky

Berlín Buenos Aires ARt Xchange 2007

 
NICOLA COSTANTINO

En el Centro Cultural Recoleta se llevó a cabo Berlín Buenos Aires ARt Xchange 2007,  una muestra colectiva de 24 artistas alemanes y argentinos, organizada para conmemorar el 150 aniversario de las relaciones entre ambos países.

El evento contó con una nutrida muestra de piezas de diseño, plástica, fotografía, ilustración, además de instalaciones de video, exhibición de cortos, charlas sobre la evolución del arte en ambos países y un concierto de música contemporánea. Todas las actividades fueron abiertas y gratuitas

BBAX ’07 es el resultado de un proyecto que comenzó en el 2004, cuando quince artistas argentinos viajaron a Berlín para crear con sus pares alemanes piezas que se exhibieron en el Festival Notango 2004 de Berlín. Este año once artistas germanos hicieron el camino inverso para trabajar con sus colegas locales durante cuatro semanas. Así se construyeron las obras que se expusieron en BBAX ’07, inspiradas en la vida en la metrópolis. Por eso al recorrer la muestra se pueden reconocer las similitudes y diferencias entre dos culturas con varios puntos en común, como la marca de la inmigración, la intensa vida nocturna, la influencia creciente de la tecnología, etc.

MIGUEL MITLAG

De Berlín llegaron: Armin Ceric, el grupo Bauhouse, Bettina Pousttchi, Daniel Mohr, Daniela Finke, Eve Hurford, Jan Bauer, Marcel Steger y Olaf Hajek. De Buenos Aires participan desde el 2004: caraballo-farman, Diego de Aduriz, Doma, Esteban Pastorino, Fabiana Imola, Facundo de Zuviria, Julio Chaile, Karina el Azem, Marcos Lopez, Matías Duville, Miguel Mitlag, Nicola Costantino, Ricardo Liniers, Sandro Pereira y Sebastian de Ganay.

Berlín Buenos Aires ARt Xchange es sólo una de las actividades realizadas este año para conmemorar los 150 años de relaciones entre Argentina y Alemania, iniciadas con el Tratado de Amistad, Comercio y Navegación de 1857. Otras de las acciones organizadas fueron la edición limitada de un sello postal exclusivo para la ocasión, se “vistió” al obelisco con los colores de las respectivas banderas, un concierto en Buenos Aires de la Orquesta Sinfónica de Berlín y un concurso fotográfico titulado “Una Amistad en Imágenes – 150 Años Argentina-Alemania” para el cual se presentaron 230 trabajos que luego se exhibieron en una exposición en el Centro Cultural Borges.

Por Paula Krizanovic

Más Info:
BBAX 07
Centro Cultural Recoleta
Cámara de Industria y Comercio Argentino-Alemana
Embajada alemana en Bs. As.

Arlequín, servidor de dos patrones

Esta obra, cuya autoría está a cargo de Carlo Goldoni, es expresión de la Commedia dell´Arte, género cómico que nace en la Venecia del siglo XVI. Esta nueva versión está dirigida por Miguel Abeledo y Alicia Zanca, quienes la aggiornan al incluir música, canto y acrobacia en escena.

La historia gira en torno a Arlequín, un criado que se pone al servicio de dos patrones, Federico y Florindo, para poder sobrevivir, motivo por el cual se ve envuelto en varios conflictos y enredos para evitar ser descubierto. Dicho personaje utiliza una máscara para disimular su doble servicio ante sus amos que le solicitan exclusividad. Daniel Casablanca es quien le da vida a Arlequín, el cual se ríe de sus patrones, de sí mismo y del público.

Los demás personajes, que tienen historias paralelas, son Clarisa, hija de Pantalón de Bisognosi. Este la quiere casar con Silvio Lombardi (Mariano Torre), amor de su vida, dada la muerte de su prometido Federico Rasponi. Eugenia Tobal, interpreta a Beatriz Rasponi, quien se hace pasar por su hermano, para recuperar a su novio Florindo Aretusi y salvar su nombre, ya que es acusado del asesinato. El conflicto de estos personajes gira en torno a que Pantalón, al regresar Federico, obliga a su hija a tomarlo por esposo y a romper el compromiso con Silvio.

Algo para destacar de esta obra son los tres músicos que tocan el contrabajo, la guitarra y la trompeta, e incluso los servidores acróbatas, quienes permanecen en el escenario a lo largo de toda la comedia, y de fondo se puede apreciar cómo beben agua e incluso comen con toda naturalidad, lo cual descomprime las diversas situaciones que atraviesan los protagonistas. Otra cuestión que me causó sorpresa es cómo los actores fingen desde tener inconvenientes con la utilería, llevarse por delante la escenografía hasta hacer alguna acrobacia y salir despedidos del escenario hacia las butacas, donde se ubica el público. Además, es oportuno mencionar una intervención por parte de Alicia Zanca, cuando “reta” a Mariano Torre en una escena donde rompe un florete. Considero que es un gran aporte de originalidad de los directores.

La pieza teatral, que se estrenó el 26 de abril, se presenta jueves, viernes y sábados a las 20:30 hs. y domingos a las 12:30 hs. en el Teatro de la Ribera, ubicado en Av. Pedro de Mendoza 1821, el cual forma parte del Complejo Teatral de Buenos Aires.

                                                           Por Daniela Salas
                                                  

Tras los pasos de nuestra niñez

En el arte la contemplación de una obra estática es una constante, pero esta vez el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) propone una posibilidad de dinamismo, de cambio, de movimiento y acción.
El recorrido comienza en una sala pintada de amarillo eléctrico que traslada a los cuartos de juego de los niños. Allí, expuesta en vitrinas, se encuentra parte de la obra de Joaquín Torres-García. Este artista uruguayo, en los años 20´, buscó establecer un diálogo entre el arte y la infancia a través de las formas, líneas, colores y movimiento. En oposición al juguete típico creó objetos de madera pintada y desarmables. Su intención era que el niño aprendiera jugando, que pudiera crear y descubrir con juguetes que lo acercaran a la realidad de las cosas. El juguete no debía ser algo fantástico ni divertido, sino que la diversión consistía en la capacidad de crear y experimentar. Camiones, barcos, autos y casas de formas y colores simples. Animales, marionetas y personas de madera, sin embargo sus piezas pareciera que se mueven por sí solas invitando a tocarlas y jugar con ellas.
Ahora que el juego es el punto de partida, el Malba propone continuar el recorrido por las salas de la colección permanente del museo, para ver otros artistas latinoamericanos que explorando la propuesta de Torres-García crearon sus propias obras transformables.
Siguiendo las figuras colocadas por el museo en la pared o en el piso a modo de pista, llaman la atención obras que invitan a la participación del espectador (aunque la paradoja es que no pueden ser tocadas). Entre ellas, obras del arte óptico y cinético buscan que el espectador apriete un botón o se desplace físicamente para observar las vibraciones y juegos visuales. El objeto de piezas de madera que Gyula Kosice llamó Röyi, invita a que el espectador pueda manipular y reinventar, articulando, rotando y trasladando sus piezas. El rompecabezas de pinturas en blanco y negro de Jorge de la Vega es un esquema de piezas movibles con los que se puede crear un dibujo de formas y figuras infinito.

Esta muestra quizá sea una oportunidad para dar un paseo por nuestra infancia y despertar aquella sensación de juego y curiosidad que los niños llevan a flor de piel. Después de todo, como dice Torres-García: “Lo más importante es mantener el espíritu despierto, vibrante (…) Imita a los niños: juega. El mundo, tomado en serio, es antiartístico y triste. El arte tiene que traer al mundo la alegría. Sé extravagante, ¡juega!”.

Joaquín Torres-García. Aladdin. Juguetes transformables y Obras transformables. La colección permanente en acción, se puede visitar en el Malba hasta el 5 de noviembre.
Más información en: www.malba.org.ar.

Por María Florencia Sanz