Ute Lemper y Los siete pecados capitales

 

Cuando apareció en escena -  luego de las interpretaciones de la Filarmónica de Buenos  Aires  dirigida por el inglés Jan Latham Koening – cierta irreverencia impregnó el clima del Teatro Gran Rex. Con un tostado poco habitual en los escenarios y la destreza de artista consagrada que puede darse el lujo de llevar la canción de cabaret a la sala de concierto, Lemper se lució en el doble papel de Anna I y Anna II de la obra de Kurt Weill y Bertolt Brecht.  

La obra es una sátira a los valores de la sociedad capitalista y en ese sentido, los siete pecados – pereza, orgullo, ira, gula, lujuria, avaricia y envidia – no son los de la Biblia. El personaje que Lemper interpreta se desdobla en dos hermanas imaginarias: Anna I es la que expresa la moral burguesa, mientras la otra duda aunque sin poder rebelarse en un gesto de libertad.  

“Es la música de la República de Weimar” manifestó en un reportaje reciente la cantante alemana, conocida mundialmente como intérprete de la obra de Weill y el repertorio de su mujer, Lotte Lenya. En efecto, la pieza es de 1933 – año del ascenso de Adolf Hitler al poder -  y está impregnada de una visión irónica y desencantada pero al mismo tiempo militante. Es también la última colaboración del compositor con Brecht.

 La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por el reconocido inglés, ofreció una notable interpretación de la Inconclusa –  de Franz Schubert –  y Música nocturna del compositor argentino Julio Viera.

Por Liliana Chiernajowsky

Berlín Buenos Aires ARt Xchange 2007

 
NICOLA COSTANTINO

En el Centro Cultural Recoleta se llevó a cabo Berlín Buenos Aires ARt Xchange 2007,  una muestra colectiva de 24 artistas alemanes y argentinos, organizada para conmemorar el 150 aniversario de las relaciones entre ambos países.

El evento contó con una nutrida muestra de piezas de diseño, plástica, fotografía, ilustración, además de instalaciones de video, exhibición de cortos, charlas sobre la evolución del arte en ambos países y un concierto de música contemporánea. Todas las actividades fueron abiertas y gratuitas

BBAX ’07 es el resultado de un proyecto que comenzó en el 2004, cuando quince artistas argentinos viajaron a Berlín para crear con sus pares alemanes piezas que se exhibieron en el Festival Notango 2004 de Berlín. Este año once artistas germanos hicieron el camino inverso para trabajar con sus colegas locales durante cuatro semanas. Así se construyeron las obras que se expusieron en BBAX ’07, inspiradas en la vida en la metrópolis. Por eso al recorrer la muestra se pueden reconocer las similitudes y diferencias entre dos culturas con varios puntos en común, como la marca de la inmigración, la intensa vida nocturna, la influencia creciente de la tecnología, etc.

MIGUEL MITLAG

De Berlín llegaron: Armin Ceric, el grupo Bauhouse, Bettina Pousttchi, Daniel Mohr, Daniela Finke, Eve Hurford, Jan Bauer, Marcel Steger y Olaf Hajek. De Buenos Aires participan desde el 2004: caraballo-farman, Diego de Aduriz, Doma, Esteban Pastorino, Fabiana Imola, Facundo de Zuviria, Julio Chaile, Karina el Azem, Marcos Lopez, Matías Duville, Miguel Mitlag, Nicola Costantino, Ricardo Liniers, Sandro Pereira y Sebastian de Ganay.

Berlín Buenos Aires ARt Xchange es sólo una de las actividades realizadas este año para conmemorar los 150 años de relaciones entre Argentina y Alemania, iniciadas con el Tratado de Amistad, Comercio y Navegación de 1857. Otras de las acciones organizadas fueron la edición limitada de un sello postal exclusivo para la ocasión, se “vistió” al obelisco con los colores de las respectivas banderas, un concierto en Buenos Aires de la Orquesta Sinfónica de Berlín y un concurso fotográfico titulado “Una Amistad en Imágenes – 150 Años Argentina-Alemania” para el cual se presentaron 230 trabajos que luego se exhibieron en una exposición en el Centro Cultural Borges.

Por Paula Krizanovic

Más Info:
BBAX 07
Centro Cultural Recoleta
Cámara de Industria y Comercio Argentino-Alemana
Embajada alemana en Bs. As.

Arlequín, servidor de dos patrones

Esta obra, cuya autoría está a cargo de Carlo Goldoni, es expresión de la Commedia dell´Arte, género cómico que nace en la Venecia del siglo XVI. Esta nueva versión está dirigida por Miguel Abeledo y Alicia Zanca, quienes la aggiornan al incluir música, canto y acrobacia en escena.

La historia gira en torno a Arlequín, un criado que se pone al servicio de dos patrones, Federico y Florindo, para poder sobrevivir, motivo por el cual se ve envuelto en varios conflictos y enredos para evitar ser descubierto. Dicho personaje utiliza una máscara para disimular su doble servicio ante sus amos que le solicitan exclusividad. Daniel Casablanca es quien le da vida a Arlequín, el cual se ríe de sus patrones, de sí mismo y del público.

Los demás personajes, que tienen historias paralelas, son Clarisa, hija de Pantalón de Bisognosi. Este la quiere casar con Silvio Lombardi (Mariano Torre), amor de su vida, dada la muerte de su prometido Federico Rasponi. Eugenia Tobal, interpreta a Beatriz Rasponi, quien se hace pasar por su hermano, para recuperar a su novio Florindo Aretusi y salvar su nombre, ya que es acusado del asesinato. El conflicto de estos personajes gira en torno a que Pantalón, al regresar Federico, obliga a su hija a tomarlo por esposo y a romper el compromiso con Silvio.

Algo para destacar de esta obra son los tres músicos que tocan el contrabajo, la guitarra y la trompeta, e incluso los servidores acróbatas, quienes permanecen en el escenario a lo largo de toda la comedia, y de fondo se puede apreciar cómo beben agua e incluso comen con toda naturalidad, lo cual descomprime las diversas situaciones que atraviesan los protagonistas. Otra cuestión que me causó sorpresa es cómo los actores fingen desde tener inconvenientes con la utilería, llevarse por delante la escenografía hasta hacer alguna acrobacia y salir despedidos del escenario hacia las butacas, donde se ubica el público. Además, es oportuno mencionar una intervención por parte de Alicia Zanca, cuando “reta” a Mariano Torre en una escena donde rompe un florete. Considero que es un gran aporte de originalidad de los directores.

La pieza teatral, que se estrenó el 26 de abril, se presenta jueves, viernes y sábados a las 20:30 hs. y domingos a las 12:30 hs. en el Teatro de la Ribera, ubicado en Av. Pedro de Mendoza 1821, el cual forma parte del Complejo Teatral de Buenos Aires.

                                                           Por Daniela Salas
                                                  

Tras los pasos de nuestra niñez

En el arte la contemplación de una obra estática es una constante, pero esta vez el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) propone una posibilidad de dinamismo, de cambio, de movimiento y acción.
El recorrido comienza en una sala pintada de amarillo eléctrico que traslada a los cuartos de juego de los niños. Allí, expuesta en vitrinas, se encuentra parte de la obra de Joaquín Torres-García. Este artista uruguayo, en los años 20´, buscó establecer un diálogo entre el arte y la infancia a través de las formas, líneas, colores y movimiento. En oposición al juguete típico creó objetos de madera pintada y desarmables. Su intención era que el niño aprendiera jugando, que pudiera crear y descubrir con juguetes que lo acercaran a la realidad de las cosas. El juguete no debía ser algo fantástico ni divertido, sino que la diversión consistía en la capacidad de crear y experimentar. Camiones, barcos, autos y casas de formas y colores simples. Animales, marionetas y personas de madera, sin embargo sus piezas pareciera que se mueven por sí solas invitando a tocarlas y jugar con ellas.
Ahora que el juego es el punto de partida, el Malba propone continuar el recorrido por las salas de la colección permanente del museo, para ver otros artistas latinoamericanos que explorando la propuesta de Torres-García crearon sus propias obras transformables.
Siguiendo las figuras colocadas por el museo en la pared o en el piso a modo de pista, llaman la atención obras que invitan a la participación del espectador (aunque la paradoja es que no pueden ser tocadas). Entre ellas, obras del arte óptico y cinético buscan que el espectador apriete un botón o se desplace físicamente para observar las vibraciones y juegos visuales. El objeto de piezas de madera que Gyula Kosice llamó Röyi, invita a que el espectador pueda manipular y reinventar, articulando, rotando y trasladando sus piezas. El rompecabezas de pinturas en blanco y negro de Jorge de la Vega es un esquema de piezas movibles con los que se puede crear un dibujo de formas y figuras infinito.

Esta muestra quizá sea una oportunidad para dar un paseo por nuestra infancia y despertar aquella sensación de juego y curiosidad que los niños llevan a flor de piel. Después de todo, como dice Torres-García: “Lo más importante es mantener el espíritu despierto, vibrante (…) Imita a los niños: juega. El mundo, tomado en serio, es antiartístico y triste. El arte tiene que traer al mundo la alegría. Sé extravagante, ¡juega!”.

Joaquín Torres-García. Aladdin. Juguetes transformables y Obras transformables. La colección permanente en acción, se puede visitar en el Malba hasta el 5 de noviembre.
Más información en: www.malba.org.ar.

Por María Florencia Sanz

Sicko

FichaTécnica                                                                                                                               Título original: Sicko                                                                                                             Duración: 123 minutos                                                                                                     Clasificación: Apta para mayores de 13 años                                                                           Género: Documental                                                                                                                 Trailer: http://www.sicko-themovie.com/                                                                    Estreno:20.09.2007                                                                                                                                 Director: Michael Moore                                                                                                        Director de fotografía: Christoph Vitt                                                                                  Guionista: Michael Moore                                                                                                    Montaje: Geoffrey Richman, Chris Seward y Dan Swietlik                                                             Música: Erin O`hara

El ojo de Michael Moore, como nos tiene acostumbrados, se posa una vez más en la sociedad norteamericana, más específicamente en las corporaciones médicas que lucran en desmedro de la calidad del servicio médico que proveen. Los beneficios que a toda costa, sobre todo negando operaciones a pacientes, las empresas de cobertura médica intentan lograr es el epicentro problemático del film en el que las historias personales de un grupo de pacientes que sufren distintas enfermedades y secuencias patológicas, son el marco para que el director, desde el centro y la matriz del sistema, encarne su voz disidente. El modus operandi de las empresas es reflejado tanto en la voz de los pacientes como en la de los portavoces médicos, testimonios que evidencian algunos de los artilugios por los cuales se impiden las operaciones. El film contiene secuencias angustiantes como aquella que muestra a una anciana que es abandonada por una ambulancia mientras se la ve deambular por las inmediaciones de un hospital y también irónicas como cuando el jefe de un cuartel de bomberos cubanos junto a su equipo reconoce y brinda honores a un par de pacientes del grupo que arrastran problemas respiratorios tras haber sido rescatistas el 11-S y que abnegados a atenderse en su país, son diagnosticados y curados en el país enemigo. Siguiendo con la lógica que intenta (y logra) derribar los mitos que existen acerca de la salud pública, el enemigo comunista, los servicios de salud de otros países, etc., Moore, desde el funcionamiento mismo de dichas instituciones contrapone lo que se dice con lo que efectivamente es, desenmascarando los falsos discursos y aportando a la reflexión y el debate.                                                                                                                  

                                                                                                                      Por Javier Schifis

“Una obra protagonizada por mujeres Descocadas”

Esta comedia policial escrita por Marcelo Iglesias, dirigida por Marcela Blanco Rodríguez y asistida en la dirección por Andrea Vitulich  presenta su segunda temporada.
La obra esta representada por seis mujeres, cada una tiene una problemática psicológica que la hace peculiar.
La historia se desarrolla en torno a la muerte de “Coco”, por eso el nombre de “Descocadas” no porque  los personajes estén del coco sino porque les falta este hombre.
El conflicto es que Coco ha fallecido y las seis protagonistas desconocen el motivo, todas tiene la duda de si han sido culpables en parte de su muerte, ya que la noche  anterior le convidaron algo de beber o comer a él.
Todos las comediantes viven en el mismo edificio, en uno de los departamentos viven Coco y su pareja, “Fiorela”, interpretada por Mariela de Blas Sánchez. Ésta es la típica mujer light preocupada por su físico, y por aprender las tendencias de la vida sana.
La ex-esposa de Coco, “Alberta” encarnada por Carina Brandilia se mudó a otro apartamento y se relaciona con la actual pareja de éste, ella se caracteriza por ser una obsesiva de asistir a cursos rápidos e intensivos de todo tipo.
Otro de los personajes es interpretado por Natalia Freijo, “Clarita”, una niña de campo, quien  es custodiada por la “Madre Guillermina” (Marisa Bakica), quien intenta alejarla de las tentaciones de la vida. Y por último están Margot (Roxana Alegre), y su hija, “María Pía” (Cinthia Mykietyn), una química conservadora y pudorosa que se avergüenza de los delirios de grandeza de su madre.
Cada una de ellas intentará saber cómo sucedió la muerte de Coco, con quien se llevaban muy bien.
Tendrán la posibilidad de ver la obra todos lo viernes de Octubre a las 21hs en el Teatro I.F.T, ubicado en  Boulogne Sur-Mer 549.

                                                                                               Por Bárbara Palavecino

TIEMPO

Ficha Artística
Escrita y dirigida por: Kim Ki-duk
Protagonizada por: Sung Hyun-ah and Ha Jung-woo
Productor ejecutivo: Michio Suzuki
Productor: Kim Ki-duk
Coproductor: Kang Young-gu
Director de Fotografía: Sung Jong-moo
Producción de Sonido: Jeung Hyun-soo
Música: Noh Hyung-woo
Dirección de arte: Choi Keun-woo
Edición: Kim Ki-duk
Gerente de producción: Song Myeong-chul
Asistente de dirección: Jang Hun
Vestuario: Lee Dah-yeon (Style-Di)
Maquillaje: Jang Jin (Producción de máscara y maquillaje) Ficha Técnica
Título original: Time
Género: Drama/ Romance
Duración: 97 minutos
Año: 2006
Idioma: Coreano
País de origen: Corea del Sur/ Japón
  

Está claro que las relaciones humanas no son sencillas. Si además se trata de amor, entonces los sentimientos son aún más escabrosos:  celos, debilidad, temor, vulnerabilidad,  masoquismo…  dolor. Estas son algunas de las pasiones que se desgarran en Tiempo, la última película dirigida y guionada por Kim Ki Duk.

La historia que se presenta es la de la pareja que forman Seh- Jee y Ji- Woo. Luego de haber transcurrido cierto tiempo de noviazgo, Seh- Jee se obsesiona con la idea de que ya no es atractiva para Ji- Woo, quién tarde o temprano querrá reemplazarla por otra mujer. Celosa, triste y desesperada Seh- Jee abandona a Ji- Woo y se somete a una cirugía estética para cambiar su rostro y convertirse en la nueva novia de su (ahora) ex novio. Pero su inseguridad aún perciste y los sentimientos de Ji- Woo no pueden manipularse a voluntad. Entonces los enredos se suceden…

Los seguidores de Kim Ki Duk, acostumbrados a esos largos silencios que caracterizan sus filmes, se encuentran ahora con un largometraje diferente. Contrario a las mudas relaciones que se narran principalmente a través de las imágenes  (El Arco, Hierro 3, Primavera, verano, Otoño, invierno y otra vez primavera, entre otras); en Tiempo el dialogo es un punto fuerte, bien desarrollado e incluso necesario.

Por otro lado, kim ki duk se permite aquí utilizar un estilo de humor muy particular, que roza el ridículo e interpela al público desde lo grotesco.

Después de todo, se trata del trabajo de un director que se describe a sí mismo como alguien que intenta ”Fantasiar con la realidad de las pesadillas”…

 

 

Por Ana Paula Bello

Tres nuevas exposiciones en el Centro Cultural Borges

Tristana Macció, artista plástica argentina, presenta una muestra cuyo título, Sefirot,  se inspira en la representación gráfica del Árbol de la Vida. Según la religión conocida como Cabalá, las Sefirot son las diez emanaciones del dios Yavé a través de las cuales se creó el mundo. El diagrama de las sefirot es el árbol de la vida, un sistema de relaciones intersimbólicas místicas que, para el ser humano, tienen la función de abrir el acceso a las capacidades escondidas de la psique. La artista construyó, a partir de su desconstrucción, imágenes donde la unión de colores puros en forma de esferas o discos son las Sefirot. Cuadros de figuras geométricas en forma de esferas o discos. El color puro tiene un papel fundamental en la estética de Tristana Macció. Forma y color poseen un poder expresivo independiente de toda referencia a lo figurativo. Macció busca emular los ritmos pero no la apariencia de la naturaleza, su pintura es abstracción dinámica basada en la supremacía del color. Abre con su muestra un mundo de imágenes, colores y canales de energía.  

Inauguración: 4/10. Cierre: 21/10

Cecilia Lueza, artista argentina presenta la su muestra Mystic en óleos sobre tela. El propósito de su pintura es capturar la esencia humana, exponer sentimientos, creencias. La artista se inspira en una humanidad sin individualidad, fuera del tiempo y relevante al mundo del sentimiento y de la imaginación. La constante presencia de la figura en la obra de  Lueza.  Sus pinturas figurativas capturan la magia del surrealismo y los colores saturados del expresionismo. Generan una composición dinámica en la cual las figuras sugeridas y los símbolos metaforizan su narración y otorgan frescura a todo su trabajo.  

Inauguración: 4/10. Cierre: 21/10

Por último se encuentra en exposición la obra Situaciones planetarias de Marité Malaspina, artista visual que plantea a través de una serie de 16 cuadros de 45 x 55 cms. cada uno, un recorrido de imágenes y textos que acompañan un mensaje. Esta muestra es un ensayo realizado durante los últimos cuatro años, con imágenes elaboradas desde la toma sin intervención digital, en la cuales pone énfasis en las formas centralizando un mensaje en la esencia y presencia de la naturaleza herida por los cambios que hoy día sufre nuestro planeta. Su objetivo en la obra, es la toma de conciencia del cuidado del planeta por parte del hombre, y llegar a la sensibilidad del espectador con imágenes estéticas en el drama.

Inauguración: 4/10. Cierre: 24/10

Centro Cultural Borges: Viamonte y Esq. San Martín.

Por Valeria García

Hypnofon, la Orquesta Multiforme

Ayer a las diez de la noche en Niceto Club se presentó Hypnofon, una orquesta de dieciséis músicos y muchos más instrumentos dirigida por Alejandro Terán. La excusa esta vez fue presentar su primer disco “El Futuro”, un viaje de ensueños, una mezcla fantástica de ritmos, géneros y tiempos. En el “Génesis del Manifiesto: Dreams and the Supernatural”, Terán cuenta cómo concibe la posibilidad de esta orquesta por sobretodo novedosa. Hypnofono es una palabra que encontró en un diccionario de 1913 de su biblioteca y que por alguna razón desconocida, mística, desaparece en las ediciones posteriores. “Dícese de aquel que canta o habla en sueños”. La pregunta que guía la estructura, la escultura, de Hypnofon es la posibilidad de un viaje al pasado, a las pistas de baile de la dorada Argentina en los años treinta. La intromisión de una banda irresponsable que por error introduce una alteración mínima que afecta radicalmente el futuro de la música, de la vida. Un vector del destino torcido: Hypnofon es un mundo multicolor, de formas distintas, simultáneas, mezcladas. Otras sensibilidades y percepciones posibles.           

Las mesas eran pocas, chicas, la luz en principio era de velas. La mayoría de la gente no pudo sentarse, se amontonó en el fondo. Los que nos sentamos, terminamos parados, es inevitable bailar. Fueron apareciendo los músicos, se desplegaron por todo el escenario, estaba completo, no entraba un micrófono más. Terán y la viola en el centro, a sus lados las chicas violinistas Marta Roca Alonso y Guadalupe Tobarías. A la derecha y con un anillo dorado que sedujo a la gente hasta al fondo, Julián Gándara enamorado de su cello. Nicolás Rainone de corbata… verde manzana… en el contrabajo. Los vientos iban desde clarinetes y flautas traversas hasta saxofones, trompetas, trombón y una tuba insólita. Fabián Aguiar, María Zanzi, Leo Heras, Miguel Angel Tallarita, Christian Terán y Santiago Castellani enloquecieron el aire, lo hacieron girar, arriba y abajo, lo aceleraron y retardaron sucesivamente mientras duró la fiesta. Nada que decir de la percusionista Jaqui Barra, el baterista Héctor Sica, Pedro Onetto muy prolijo en el piano, Ale Kreintzies con el vibráfono y el multi-instrumentista Axel Krygier, “multi” significa desde las maracas hasta el toc-toc. Los temas se sucedieron, se atropellaron, desde una marcha funeraria psicodélica hasta una interpretación “justa” -dice Terán- de la canción Aurora. De repente, una voz. María González entra en el show y lo revive, lo explota. Pura boca roja y el pelo negro como una seda hasta la cintura. María es el comodín.

Hypnofon es el resultado de una idea alocada y artistas que se creen libres. Se nota la dedicación paciente, el trabajo permanente de más de veinte años y un estilo de vida cruzado por el rock, la música popular y los efectos de una serie de influencias contra-hegemónicas. Algo muy raro, ayuda conocer su casa.  

Alejandro Terán colabora con los artistas Gustavo Cerati, Charly García, Joan Manuel Serrat, Gustavo Santaolalla, De la Guarda, Skay Beilinson, Los Pericos, La Portuaria, entre muchos otros. Con casi un centenar de discos en su haber, Terán naturalizó la figura del “orquestador” en el ámbito del rock y la música popular. El disco está a la venta, se consigue en cualquier Musimundo a $27, y se los recomiendo efusivamente.

Por constanza Coll

 

 

 

 

 

 

 

 

La Argentina Crónica

Historias reales de un país al límite
Selección de Maximiliano Tomas – Editorial Planeta
Relatos breves, complejos, increíbles, simples, cotidianos o extraordinarios. Fragmentos que componen una totalidad. La Argentina crónica, la que los padece, los protagoniza, los motiva o los compone.  Historias que sobrepasan la ficción o renuevan una mirada sobre lo corriente.

Catorce segmentos conforman un mosaico que caracterizan el ser nacional, o lo que sea que eso implique. Pero contrario de lo habitual, no cuentan grandes proezas o hazañas de grandes hombres o mujeres, sino que la mirada de los cronistas, se posa indiscriminada sobre acontecimientos que cuando se reúnen en un mismo lugar, manifiestan las contradicciones de un mismo país y  sus heterogéneos paisajes, sujetos y sucesos.

Las dos caras de la alegría, sintetizan en “Operación ja ja” la tragicomedia que conforman los sonidos huecos de la risa forzada y contagiosa dentro de un estudio de tv. El resentimiento y el perdón  se confrontan en “El caso Poblete”,  donde las complejidades del amor y el odio llevan al extremo mas contradictorio los lazos sanguíneos. Un grupo de “Skinheads antifascistas” se debate entre la violencia o el amor y paz en la misma cuidad; donde la contaminación y la burocracia, se burlan y denigran a la parte menos beneficiada de la población a lo largo de “No tan Buenos Aires” al mismo tiempo que otros, le encuentran la veta excéntrica y explotan con “El turismo menos pensado”.

El irreconciliable retorno a la cordura, que sobrelleva como puede la  atemorizante joven testigo del parricidio cometido por su hermana, es narrado en “Las hermanas satánicas”. “Y parirás con dolor”  desata la controversia cuando “la guasa” de Romina Tejerina, describe como sobrelleva con frivolidad y caprichos, sus días de encierro luego de haber sido violada, embarazada y luego asesinado al bebe. Pepita la pistolera desencarna el papel de una mujer cualquiera, con una vida fuera de lo común o simplemente el de una bruja pero de puerto y “Operativo repulgue”, describe una festividad construida paradójicamente sobre un territorio marcado por las injusticias.

La caravana peregrina “A caballo de la fe”  devela que la pomposidad no concuerda con la creencia y devoción de los fieles, hecho que contrasta con “En campaña con Duhalde y Ortega”, cuya travesía al interior del país dentro de un hermético tren blindado, se vuelve una accesoria pantomima de los políticos. Puesta en escena que será confirmada por “La política en los boxes”, donde la arena política se traslada a los escenarios más disímiles y las decisiones que determinarán el rumbo del país se llevan a cabo en reductos de ocio y placer. 

“Los dueños del fin del mundo” testimonia el desapego y la desterritorializacion capitalista, donde se privilegian los derechos de propiedad sobre los de pertenencia; y la invasión y la explotación de los recursos se hacen carne en “Mi amigo el puma”,(pero no precisamente de cordero).

Las crónicas seleccionadas por Maximiliano Tomas fueron publicadas en distintas revistas como TXT, Rolling Stone, Playboy, Noticias, Gatopardo, Etiqueta Negra, (Perú), Paula (Chile) y en el diario Pagina/12, entre 1997 y 2006. Sus autores fueron seleccionados mediante una convocatoria nacional entre periodistas con experiencia en medios gráficos y cuyas edades no sobrepasan los 40 años. El resultado un recorrido del país de punta a punta, bajo las miradas atentas de cronistas cuya labor reconstruyen una Argentina crónica por donde se la mire.

Más datos: el prólogo es de Martín Caparrós y cada crónica incluye una breve entrevista sobre el género a su autor.

Por Carla Barragué